La más bonita reina del drama – 4 películas de Vivien Leigh

Mery Linares te recomienda 4 películas para repasar y valorar la carrera de la bella y talentosa Vivien Leigh, un actriz central del Hollywood clásico.

Por Mery Linares

@meryandthemovies

William Wyler debe ser uno de los mejores directores de la era dorada de Hollywood en retratar la psiquis femenina. Siempre con esa precisión justa para que su cámara sea una confidente de aquellos personajes donde el mundo exterior las sacude y las cincela. El abanico de posibilidades en la filmografía de este director es infinita, al punto que coquetea con una gran cantidad de géneros bajo un dominio artesanal digno de admirar eternamente.

El director, nacido en 1902 en una familia de Mulhaus, región francesa, conquistó Hollywood gracias a su capacidad de montar relatos de intensidad dramática abordando su propio género, el de los conflictos domésticos donde la tiranía de pensamientos y palabras están más cargados de pólvora que un arma. 

Dentro de ese marco ubicamos a la joya que exhibe toda la proeza de este director que es The Letter (1940) y que cuenta con la magistral colaboración de Bette Davis, la reina preciada de Warner Brothers en aquel tiempo. Esta película no solo cumple con el pilar fundamental de Wyler sino que, a través de los estudios cinematográficos, se puede inscribir dentro del género film noir por varias razones, como la reconstrucción de un crimen, el contraste de luces y sombras y el juego de la moral. Sin embargo, lo que realmente la distingue es el logro de Davis, quien, a diferencia de muchos actores en la historia del cine, logra generar un género propio. Esta no es solo una película de cine negro, es una película de Davis. 

La escena de apertura de esta película es una de las mejores de la historia del cine, y no, prometo que no es una hipérbole. En una atmósfera expectante de una noche de luz de luna nos adentramos en una residencia en la que en segundos escuchamos el rugido de una pistola y la cámara se acerca a los ojos de Bette Davis que condensan sentimientos encontrados. Cada milímetro es punzante, cala profundo y es imposible de olvidar.

A partir de este inicio, la película reconstruye el hecho a través del testimonio de Leslie Crosbie, en la piel de Davis, cuya elegancia e impasibilidad generará incertidumbre en el abogado amigo de la familia. Quien nunca duda es su esposo, el administrador de una plantación de esa tierra desconocida, Singapur. Pero todo da un giro cuando surge una carta escrita del puño de Leslie que sembrará la duda en quienes la rodean y en la propia audiencia, jugando con nuestras expectativas.

Aquí radica la magia de esta película: un relato que desentraña con maestría la duplicidad de un personaje cuya mirada, con una precisión casi quirúrgica, revela la sutil frontera entre los sentimientos que coexisten en su ser y desborda el filo del amor, con una cita que solo la oscuridad del cine negro podía permitir: «Con todo mi corazón, sigo amando al hombre que maté».

Esta historia está basada en la obra de teatro homónima de W. Somerset Maugham, obtuvo siete nominaciones a los Premios Oscar y sería parte de la racha inigualable de Wyler, quien fue nominado cinco veces consecutivas como Mejor Director y por Mejor Película, entre ellas, Wuthering Heights (1939), The Letter, The Little Foxes (1941), Mrs. Miniver (1942) y The Best Years of Our Lives (1946). 

Cuenta la leyenda que Bette Davis y William Wyler eran amantes desde que hicieron juntos Jezebel (1938) y se dice que ambos peleaban fogosamente. Hasta la misma Davis admitió que en el rodaje de La Carta discutían sobre la composición de su personaje, algo que el mismo equipo de la película admitió que generaba una atmósfera de tensión y drama hasta la última escena de la película.

«Lo hice a su manera… Sí, perdí una batalla, pero la perdí ante un genio… Muchos directores eran tan mediocres que tenía que tomar el control. Inseguros, sin creatividad, temerosos de defender sus ideas, no me ofrecían la seguridad que este tirano me brindó». Esto decía Bette sobre Wyler, dos corceles indomables que lograron bordar en esta joya cinematográfica el peso de una pasión oculta.

No se puede negar la potencia, la presencia y la capacidad de improvisación que tenía Pearl Bailey en cada una de sus presentaciones, y esta interpretación en el programa de Ed Sullivan de 1969 no es la excepción. Antes de que el presentador deje el escenario, Pearl lo agarra y lo invita a cantar You’re Nobody Till Somebody Loves You con ella, en lo que se podría clasificar como un dúo inesperado.

Lo que sucede después es pura magia, humor y hasta zapateo de parte de Pearl que le da indicaciones a la orquesta en medio de la canción y se acomoda a los cambios como si fuera cosa de todos los días.

Una de las comedias negras más inolvidables de los años 40 llegó a los cines de la mano de Frank Capra con Arsenic and Old Lace (1944), pero su historia es una adaptación de un éxito teatral. Escrita por Joseph Kesselring en 1939, Arsenic and Old Lace se estrenó en Broadway en 1941 y tuvo más de 1400 funciones hasta 1944, y una cantidad similar en la producción londinense.

El reparto original estaba compuesto por parte del elenco que vemos en el film, incluidas Josephine Hull y Jean Adair como las adorables Abby y Martha Brewster, y John Alexander como Teddy Brewster. Pero uno de los roles protagónicos en la obra estaba encarnado por una figura central del cine de terror que no aparece pero se menciona en el film: el gran Boris Karloff como el tétrico fugitivo Jonathan Brewster.

En la película se dice de Raymond Massey, en el rol de Jonathan, que se parece a Boris Karloff y en la obra se hace el mismo chiste pero en la voz del mismísimo Karloff:

Dr. Einstein: Ah, no deberías haberlo matado, Jonny. Era un tipo simpático. Nos llevó en el coche y, ¿qué pasó?

Jonathan: Dijo que me parezco a Boris Karloff.

Mientras parte del elenco era reemplazado en las tablas durante la filmación de la película, Karloff permaneció en su papel debido a que los productores temían una baja en las ventas con la mayoría de los actores en los estudios de Warner. Aunque la película se filmó en 1941, no se estrenó hasta 1944 por una cuestión de contratos entre las productoras; la película no debía interferir con las funciones en Broadway, por lo que esperaron a que la obra cierre en cartelera para estrenarla en cines.

El éxito tanto de la obra como de la película fue rotundo. Como dice algún póster, la historia es tan divertida que es inolvidable y así fue para el público de la década del 40. A lo largo de los años, Boris Karloff volvería a repetir el papel en varias ocasiones en teatro, radio y televisión. A continuación, les dejamos para escuchar la interpretación de Karloff en lo que probablemente sea la versión radial de 1946.

Si hay algo que distingue a los inicios de la animación de Disney es su capacidad para invocar las emociones más elementales de forma bella, y esto es lo que trasmite con sencillez el corto de Silly Symphonies de Disney llamado The Old Mill, estrenado el 5 de noviembre de 1937. Bajo la dirección de Wilfred Jackson y con la música de Leigh Harline, el corto nos presenta una serie de animales que viven alrededor de un viejo molino cuya paz se ve interrumpida por la llegada de la tormenta.

Los pequeños detalles de animación y el dominio de la música en el desarrollo son lo que hacen de este corto una joya, así como la intensidad emocional con la que se cuenta una historia tan simple. Sin una palabra de por medio y en unos pocos minutos nos vemos totalmente involucrados en el destino de unos animalitos que acabamos de conocer. Así, Disney nos prueba su maestría a la hora de contar historias.

Este segmento del programa de Ed Sullivan podría ingresar en la categoría de tríos eternos. Peggy Lee interpreta junto a los Righteous Brothers Yes, Indeed! el 7 de noviembre de 1965. La canción de estilo espiritual, compuesta en 1941 por Sy Oliver, nos invita a cantar, gritar y aplaudir junto a estos tres talentos musicales.