9 películas de Joan Crawford

Extendimos nuestra lista de películas de Joan para disfrutarla todavía más. ¿Cuál tienen ganas de ver?

El clásico de Henry Mancini y Johnny Mercer se encarna en una de las voces más emocionantes de la música popular estadounidense. Kate Smith nos regala su versión de Moon River en este programa de Ed Sullivan en 1963.

A lo largo de sus primeros 30 años de historia, MGM tuvo muchas fluctuaciones económicas y artísticas, pero una figura se mantuvo estable: la de Cedric Gibbons, el mayor exponente del arte y la mente detrás de algunos de los escenarios más memorables del estudio.

Cuando se formó MGM en 1924, Gibbons ya llevaba diez años de experiencia en la dirección de arte. En el estudio del león supervisó decoradores, utileros, delineantes, carpinteros, artistas escénicos e investigadores, entre muchos otros profesionales, dentro de su propia unidad creativa. También fue mentor de algunos de los mejores diseñadores de Hollywood.

Si la visión de Louis B. Mayer de crear películas hermosas se llevó a cabo fue en gran parte gracias al trabajo de Gibbons. Desde los penthouses de Greta Garbo o Joan Crawford hasta el vecindario de Andy Hardy o la casa en la selva de Tarzán, Gibbons creó los escenarios en los que suceden todos los tipos de magia.

Lideró el glamour de los años 30 con producciones como la de Grand Hotel (1932), en un puro art déco, y dio vida a recreaciones históricas impresionantes para films como David Copperfield (1935), Romeo and Juliet (1936) y Marie Antoinette (1938). Para esta última, dirigió la creación de 98 sets del palacio de Versailles que, aunque no eran réplicas, le valieron un reconocimiento del gobierno francés.

Una de sus más memorables producciones fue la del clásico del estudio, Wizard of Oz (1939), para la cual ideó el concepto de la Ciudad Esmeralda y supervisó el trabajo de William A. Horning. También estuvo detrás de algunas de las producciones musicales más distintivas de MGM, como Meet Me in St. Louis (1944), An American in Paris (1951) y la inolvidable secuencia de Broadway Melody en Singin’ in the Rain (1952).

Con alrededor de 1500 supervisiones, su nombre apareció en prácticamente todas las películas de MGM producidas en Estados Unidos hasta su retiro en 1956. Mucho más que el diseñador de la estatuilla del Oscar (premio del que se llevó once en su carrera), Gibbons fue una pieza infaltable en el set del cine clásico, y fue el que le dio su impronta de distinción y altura a cada producción de MGM en sus años dorados.

Por Mery Linares

@meryandthemovies

El baile de la medianoche, ahí donde está la magia

Qué magia se desprende cuando del baúl de la watchlist aparecen películas como Midnight, de esas que, después de verlas y disfrutarlas, solo querés cuidar y, sobre todo, compartir.

Esta joya de la comedia clásica es un pequeño milagro cinematográfico, una de esas a las que seguro uno volverá, porque detrás de su sencillez se esconde una maquinaria perfecta de diálogos crujientes, situaciones delirantes y personajes totalmente entrañables.

Los artífices de esta obra atemporal son Mitchell Leisen en la dirección y la dupla de Billy Wilder y Charles Brackett en el guion. Gracias a su pluma efervescente y afilada construyeron una comedia ágil, divertida, tierna y, sobre todo, ingeniosa. Pero lo que hace de Midnight un clásico inmortal son sus personajes entrañables, cada uno con su picardía.

Claudette Colbert es Eve Peabody, una corista americana varada en París sin plata y con un vestido de lentejuelas que brilla más que su pobreza. Lo único que tiene a su favor es un ingenio excepcional y, en el universo de la screwball comedy, eso vale más que cualquier otra cosa. En cuestión de minutos, pasa de estar en un taxi con Don Ameche, un testarudo y encantador taxista que terminará enamorado de ella, a infiltrarse en la alta sociedad con toda la seguridad del mundo. A partir de ahí, fingirá ser una baronesa y verá hasta dónde la lleva la mentira.

Ahí entra en juego John Barrymore, el gran titiritero de esta historia. Su personaje, Georges Flammarion, es un millonario que tiene tan solo un problema: su esposa (Mary Astor) tiene un amante y necesita deshacerse de él cuanto antes. Eve se convertirá en su aliada perfecta. Barrymore, ya en el declive de su carrera pero todavía con un carisma arrollador, se roba cada escena con solo mover los ojos.

Aunque Billy Wilder todavía no era el director legendario de Sunset Boulevard o The Apartment, en Midnight ya se perciben algunas de sus obsesiones como la sátira a las clases altas, los diálogos rápidos y las falsas identidades.

Pero si hay algo que hace brillar a Midnight, más allá de su guion y dirección impecables, es la fantástica Colbert. Esa mezcla de encanto, desparpajo y precisión que tenía la actriz era de otro planeta. Cómo explicar que en esa escena en el hotel, cuando ni ella puede creer el delirio en el que está metida, nos reímos con ella. Es algo increíble.

Eve Peabody nos dice que toda Cinderella tiene su midnight, ese instante donde la verdad y la mentira se cruzan en un baile imposible. Entonces, nosotros también nos encontraremos ahí, en Midnight, donde el cine es pura magia.

Una bruja lanza un hechizo sobre un hombre que se enamora de ella perdidamente, pero las brujas no pueden enamorarse. De esto va Bell, Book and Candle, obra escrita por John Van Druten que se estrenó en Broadway en 1950, en el Ethel Barrymore Theater.

El elenco original estuvo compuesto por algunos actores que el lector reconocerá de la pantalla grande: Rex Harrison, en el papel de Shepherd Henderson, el embrujado, y Lilli Palmer, en el rol de Gillian Holroyd, la bruja. Versiones posteriores cercanas a la original tuvieron como protagonista a Rosalind Russell y, después, a Joan Bennett. En 1954, la producción llegó a Londres, en el West End, y fue dirigida por Rex Harrison.

Pero el hechizo no alcanzó solamente al teatro. Richard Quine dirigió una adaptación cinematográfica inspirada en la obra de Van Druten. Esta vez los protagonistas fueron James Stewart y Kim Novak, quien encarnó a la bruja que hechiza a su vecino, y cuenta también con Jack Lemmon en el reparto.

Junto a I Married a Witch (1942), la historia de Bell, Book and Candle, en un género no muy explorado hasta el momento, fue la fuente inspiradora de la celebrada serie de televisión Bewitched, que también nos muestra las vicisitudes de una bruja en la vida cotidiana.

Por Celina Alba Posse

@capicomenta

Nosferatu: ícono del terror 

Cuando hablamos de películas de terror esenciales, es imposible no pensar en Nosferatu (1922). El mega clásico dirigido por Friedrich Wilhelm Murnau, más conocido como F.W. Murnau, cumple unos tiernos 103 años este marzo y nos da la excusa perfecta para volver a hablar de él.

«¡Entra libremente y por tu propia voluntad!» —Conde Drácula a Jonathan Harker en Drácula (1897) de Bram Stoker.

El Conde Orlok y la viuda de Stoker

Adentrarse en la película de Murnau inevitablemente nos remite a Drácula, legendaria novela epistolar de Bram Stoker publicada en 1897 e historia en la que -sin autorización- se inspira la película: al fallecer Stoker en 1912, los derechos de sus obras quedaron en manos de su viuda, Florence Stoker, quien fue completamente reticente a otorgar autorización a Murnau para llevar a la pantalla grande la obra más famosa de su esposo.

Pero Murnau no aceptó la negativa de la viuda: para evitar infringir los derechos de autor, el director adaptó la novela haciendo algunas alteraciones a la trama. Entre los cambios más destacables, reemplazó el nombre de Drácula por el de Orlok, el de Mina y Jonathan Harker por el de Ellen y Thomas Hutter, el escenario de Gran Bretaña por el de Alemania, la apariencia elegante y seductora del Conde por la de un vampiro monstruoso, e incluso, implementó una debilidad mortal de este ser a la luz solar.

Pese a los cambios, el filme conservó gran parte de la trama de Stoker y resultó bastante obvia su fuente de inspiración. Y lo que era obvio para el público ciertamente también lo fue para la viuda del escritor. Sin titubear, Florence Stoker inició acciones legales y, en 1925, tres años después del estreno del filme, un tribunal alemán dictaminó que todas las copias de Nosferatu debían ser quemadas. ¿La buena noticia? Ya era tarde, la película se había difundido y era imposible destruirla.

El mayor exponente del expresionismo alemán

Es así que nació la icónica película muda alemana Nosferatu, eine Symphonie des Grauens (Nosferatu: Una sinfonía del horror), conocida popularmente como Nosferatu, y con ella también la primera adaptación -no autorizada, pero adaptación al fin- de la novela de vampiros más famosa y vendida de todos los tiempos.

Como si esto fuera poco, el filme también se convirtió en el epítome del estilo cinematográfico conocido como expresionismo alemán, caracterizado por sus sombras, contrastes, atmósferas pesadillescas y escenografías surrealistas, encumbrando el movimiento junto a otras recordadas -y amadas- obras como El gabinete del doctor Caligari (1920) de Robert Wiene o Metrópolis (1927) de Fritz Lang.

El mito vampírico que ideó Murnau con sus cambios a la trama de Stoker junto a la inquietante interpretación de Max Schreck como el Conde Orlok –un ser icónicamente cadavérico e pálido, con orejas y manos puntiagudos– pusieron un punto y aparte en el cine de terror e hicieron de Nosferatu uno de los filmes más influyentes del género vampírico, ampliando y adornando el universo de Stoker hasta el punto de no saber cuando empieza la trama original y cuando lo hace la adaptación (como en el caso de la exposición mortal a la luz solar, idea de Murnau, no de Stoker).

Nosferatu no es solo una película de terror, es la película de terror; y su sombra se extiende sobre todo el género. Desde los monstruos clásicos de Universal hasta la representación moderna del mito vampírico, todos fueron influenciados por la obra maestra de Murnau que, al igual que el Conde Orlok, sigue más viva que nunca, incluso un siglo después…

«¿El mal viene de nuestro interior o de más allá?» —Ellen Hutter en Nosferatu (2024), de Robert Eggers.

Hemos encontrado a la persona que puede hacer que Pearl Bailey parezca una chica educada que se porta bien y es la magnífica Ethel Waters. Ambas cantan I’ll Be There en este programa de 1971 con una sencillez y dulzura que no necesita de recursos pomposos para emocionar. Un segmento de gospel tranquilo con la paz y la alegría del cielo.