Abril 2023

Reseña de Mery Linares

@meryandthemovies

Rebecca (1940) es el film que representa la arribada de Alfred Hitchcock al suelo estadounidense bajo la alianza con el legendario productor de Hollywood, David O. Selznick, cuyo periodo duró ocho años. Además, esta cinta da cuenta de las influencias del expresionismo alemán en el maestro inglés y de sus incursiones en el cine negro. En el film podemos observar todos los ingredientes tradicionales del género: sombras oscuras, ángulos inusuales, espacio claustrofóbico -pieza clave en el relato- y la sensación de una amenaza omnipresente. Esta obra maestra recibió el premio de la Academia a la Mejor Película en 1941 y fue un éxito abrazado por el público. 

Rebecca se centra en la historia de una joven (Joan Fontaine) que se enamora en Montecarlo de un viudo millonario llamado Maxime de Winter (Laurence Olivier). Al contraer matrimonio, la pareja de recién casados se instala en Manderley, la mansión de Maxime en la costa de Cornualles. Todo parece indicar que una vida de ensueño estaba lista para ser comandada en el nuevo hogar. Para su sorpresa, la joven ingenua comienza a descubrir que la antigua esposa fallecida de su amado, Rebecca, no era una simple esposa, sino más bien una diosa venerada por cualquier persona que la haya conocido en aquel lugar. En especial, era adorada por la ama de llaves, la Sra. Denvers (Judith Anderson) quien se encargará de hacer de la estadía una competencia despiadada entre la nueva esposa y el fantasma de Rebecca hasta llegar ahogar a la nueva esposa en pensamientos de perplejidad. 

Es así como toda esa ilusión de la nueva vida se ve opacada por la presencia fantasmagórica de Rebecca en cada esquina de la Mansión, transformando la vida de nuestra protagonista en una pesadilla opresora al punto de dudar de Maxime y su amor hacia ella. Pero el relato vira cuando el mar devuelve el cadáver ahogado de Rebecca, un suceso que sacudirá a cada individuo que orbita al fantasma de la fallecida.

Rebecca es una de las grandes proezas de Hitchcock ya que es un ensayo de cómo utilizar los recursos para generar uno de los thrillers psicológicos más adelantados a su tiempo. A través de los juegos de luces y sombras y la puesta en escena, el director logra que la mansión tenga vida propia y consigue que nos aproximemos al viaje de tortura de la nueva esposa. La interpretación de Judith Anderson es la personificación perfecta del código siniestro encriptado en las historias del cineasta. En definitiva, es un film que se mantiene omnipresente tal como el alma de su Rebecca.

El 6 de abril de 1944 llegó a los cines de Estados Unidos un musical diferente. Cover Girl, dirigida por Charles Vidor, reunió por primera y única vez a Rita Hayworth y Gene Kelly, y fue la película que los posicionó a ambos como estrellas del cine musical. Cuenta la historia de Rusty Parker, una bailarina que debe elegir entre el lujo y la fama de Broadway y su verdadero amor, Danny McGuire.

Para la fecha de producción de la película, Rita Hayworth ya había protagonizado dos musicales junto a nada más y nada menos que Fred Astaire unos años antes: You’ll Never Get Rich (1941) y You Were Never Lovelier (1942). La dupla con Gene no fue menos exitosa, tanto desde el lado comercial como desde el artístico. Con esta colaboración, Rita se convirtió en la primera de seis mujeres en bailar con ambos bailarines.

Gran parte del film es una exhibición del talento y la belleza de Rita. Se incluyen una gran cantidad de números musicales que combinan el tap, el ballroom y el chorus line con el humor de la tradición del vaudeville. El uso del technicolor, en una de las primeras experiencias de Columbia con la técnica, contribuye a acentuar la parte de la trama vinculada al mundo de la belleza y el modelaje. Esto se enfatiza especialmente en la escena en la que se muestra el proceso de maquillaje de Rita antes de una sesión fotográfica. Además, el film presenta un enorme despliegue de vestuario y puede ser analizado prácticamente como un catálogo de la moda de los años 1940s.

Por su parte, Gene Kelly había tenido su primera película musical de moderado éxito en 1942 con For Me and My Gal, junto a Judy Garland. Luego de una serie de roles pequeños o secundarios en MGM, el estudio lo prestó a Columbia, en donde pudo, por primera vez, crear sus propias coreografías en un film.

Para quienes están familiarizados con el trabajo de la dupla Kelly-Donen, no podrán evitar notar la cantidad de elementos que anticipan sus posteriores colaboraciones de los años 1950s. Los ingredientes humorísticos y las referencias al vaudeville, la inclusión del personaje cómico de Phil Silvers, el uso de sets amplios para grabar secuencias de baile en menor cantidad de tomas; todo grita Singin’ in the Rain.

Pero esta película no es solamente una anticipación de lo que esta por venir o un ‘precedente’. Una de las cuestiones que más la identifican es la innovación técnica que supuso la escena denominada «Alter-Ego Dance», en la que Gene baila con su propio reflejo. Esto lo lograron a través de una técnica de superimposición que hacía que el doble pareciera un fantasma. Stanley Donen fue clave en la preparación y edición de esta memorable escena.

Además del gran logro técnico, pocas veces utilizado en cine y una novedad total en el cine musical, la escena es una evidencia contundente del talento excepcional de Gene, quien grabó ambas secuencias por separado con un nivel de precisión increíble. También es un interesante ejemplo del uso de un número musical para mostrar el conflicto interno de un personaje en un contexto dramático, un recurso no tan frecuente en el cine musical de la época. Si observamos la coreografía y el estilo, podemos ver pequeños anticipos coreográficos de la fantasía de An American in Paris.

Cover Girl no es únicamente una gran reunión de talentos, una historia a la vez simpática y dramática que resuena en los espectadores o un conjunto de buenos números musicales. El film es el primer capítulo de una historia que marcaría al género para siempre: la de Gene Kelly como director y coreógrafo. El éxito de Cover Girl sirvió para que MGM entrara en razón y le otorgara finalmente la libertad creativa que Gene necesitaba para transformar y moldear el cine musical que estaba por venir. No sólo eso, sino que no lo prestaron a otro estudio nunca más.

Es imposible no sonreír -o llorar- al ver y escuchar a Judy Garland interpretar cualquier cosa, y esta versión de la popular canción Smile no es la excepción. El video pertenece a su aparición en el programa de Ed Sullivan el 14 de abril de 1963. Magia pura que atraviesa la pantalla y el tiempo.