Septiembre 2023

Reseña de Mery Linares

@meryandthemovies

Alicia: Say it again, it keeps me awake.

Devlin: I love you.

Notorious es una película dotada de la más impecable alquimia hitchcockiana, en la que el aclamado director pone en juego la perversión al acecho de dos almas desdobladas por la pasión y acorraladas por la moral. 

La colaboración entre Hitchcock y el guionista Ben Hecht nos pinta en esta historia un mundo que, aún tras la Segunda Guerra Mundial, sigue siendo una tierra de sombras y en el que la libertad de elegir un destino propio es un bien inalcanzable. Así es como el amor prohibido comienza a intervenir en esta historia de espías y de engaños.

Ingrid Bergman interpreta a Alicia Huberman, la hija de un criminal de guerra alemán quien es reclutada por el agente del gobierno T. R. Devlin, interpretado por Cary Grant, para que colabore con el espionaje de una organización nazi oculta en Brasil. En su llegada al país, Alicia y Devlin se enamoran y el romance no tardará en infiltrarse, al igual que un espía, en medio de la operación.

Bergman y Grant emanan química, tensión y seducción y el suspenso que va tejiendo el director sobre esta relación bajo las sombras bebe de este cocktail en el que cada beso se transforma en el arma más mortal, como en la escena de la bodega en la que converge todo el espíritu de la película; un beso para embriagarse de pasión, para ahogar la moral y para liberarse a la verdad. Solo quien esté espiando detrás de esa puerta será el verdadero infortunado.

Reseña de Leandro A. Cuellar

@leandroacuellar

The Third Man (1949) es un film noir dirigido por Carol Reed y con guión de Graham Greene. Las actuaciones, vale decir brillantes, las componen Joseph Cotten, Alida Valli y Orson Welles, que se dice que también tuvo cierta influencia en la dirección del filme. 

Holly Martins (Joseph Cotten) es un escritor mediocre de novelas western, que llega a la Viena de 1947 (en contexto de posguerra) para reunirse con su gran amigo de la infancia, Harry Lime (Orson Welles), que al parecer le ha ofrecido trabajo.

Cuando llega a Viena, se entera de que Harry ha sido atropellado y muerto. Se afirma que se trató de un accidente y que dos hombres fueron los que se llevaron el cuerpo de su amigo de la vereda, pero un testigo “mete la pata” y dice que hubo un tercer hombre en el lugar de los hechos. Este tercer hombre no ha sido identificado por nadie en el caso.

Holly está decidido saber qué pasó realmente con Harry Lime y se enfrentará al oscuro mundo de su amigo relacionado al mercado negro y al tráfico de penicilina. Las preguntas que subyacen son: ¿Quién es o en qué se ha convertido su amigo de la infancia? ¿Está vivo o muerto? ¿Acaso, se esconde sigiloso como un gato?

En este recorrido por la verdad de los hechos se enamorará de Anna (Alida Valli), quien era amante de Harry, y se enfrentará a un oscuro universo que no comprende. Sin embargo, es tenaz y alcanzará entremezclarse en las subterráneas periferias éticas de su amigo de la infancia.

El distinguido crítico Roger Ebert, que cuenta haber visto esta película por primera vez un día lluvioso en un pequeño cine en París, expresa: «De todas las películas que he visto, ésta encarna de manera más completa el romance por ir al cine». A su vez, el filme ha recibido un premio de la Academia a mejor fotografìa en blanco y negro, entre otras distinciones como el premio BAFTA a mejor pelìcula británica.

Para finalizar, como si fuera poco, este film noir ha sido colocado por la American Film Institute (AFI) entre las 10 mejores películas de misterio junto a otros films noirs como Laura de Otto Preminger y The Maltese Falcon de John Huston.

Reseña de Mery Linares

@meryandthemovies

Si hay algo que la humanidad no ha podido apagar es esa llamarada de anhelar la juventud eterna. La pantalla grande se ha hecho eco de este deseo a través de la comedia en un lenguaje juguetón pero no así menos reflexivo que nos invita a reírnos de nosotros mismos y nos convoca a una aceptación de la sabiduría de envejecer. 

En 1992 se estrenó Death Becomes Her, dirigida por Robert Zemeckis e interpretada por Meryl Streep, Bruce Willis y Goldie Hawn. En ella, los personajes se ven envueltos en aprietos teñidos de fantasía en un tono de comedia negra pura que expone las consecuencias que generan las presiones por la búsqueda de la juventud eterna. 

Sin embargo, esta no fue la primera vez en donde semejante exploración se detalla en la ficción del séptimo arte. Si nos remontamos a 1952, Hollywood ya empezaba a entrometer sus narices en este baúl escondido y decidía calzarse el zapato de la comedia para caminar sobre la vía hacia la perpetua lozanía. 

El rey de la screwball comedy Howard Hawks fue el encargado de darle vida a Monkey Business, una historia que tiene su sello impregnado: un elenco de estrellas brillantes y poderosas -en este caso su predilecto Cary Grant y la carismática Ginger Rogers, con una latente Marilyn Monroe que saltaría a la fama luego-, diálogos picantes y de doble sentido y elementos de comedia física. A diferencia de los dúos icónicos de películas anteriores, la batalla de los sexos en Monkey Business es más rebuscada y aborda con acidez una temática arriesgada.

Monkey Business gira en torno a un distraído químico llamado Barnaby, interpretado por Cary Grant, que se encuentra trabajando arduamente en un importante laboratorio para encontrar la receta indicada del elixir de la juventud. Esta búsqueda se verá entorpecida cuando uno de los chimpancés, después de observar a su dueño, se escapa de la jaula y comienza a jugar con las probetas y químicos. Mágicamente, es él quien obtiene la combinación perfecta de una poción que otorga vitalidad y vigor y soluciona problemas como la vista o dolor de espalda. La poción logra rejuvenecer, pero no vuelve físicamente más joven a las personas.

Esta es la gran premisa de la que el famoso enredo de la screwball comedy se desprende. Si bien la confusión suele ir acompañada de una gran tensión entre la pareja protagónica, en Monkey Business no es suficiente. De hecho, la comedia tiene más efecto cuando los tórtolos de Cary Grant y Ginger Rogers buscan juntos cómo combatir la rutina y generan un juego de palabras que insinúan su intimidad. 

Sin embargo, las escenas más icónicas son las que giran en torno a Cary Grant y Marilyn Monroe, quien interpreta a Miss Laurel, la secretaria de Mr. Oxley (Charles Coburn), el jefe de la compañía farmacéutica. Las secuencias entre ambos son evidencias de los efectos del elixir que el profesor Barnaby experimenta por primera vez. 

Monkey Business permanece como la comedia disparatada más modesta en la filmografía del director. Puede que sea porque a diferencia de Bringing up baby o His girl Friday, esta comedia es irregular en su ritmo y algunas dinámicas de sus diálogos pierden fuerza. Sin embargo, no deja de ser audaz y mordaz en las temáticas que aborda, como la moral en el matrimonio, los intereses del mercado farmacéutico y las presiones por la búsqueda de la juventud eterna en la sociedad. 

Hawks sostenía: «Soy un narrador, esa es la función principal de un director. Y son imágenes en movimiento, ¡hagamos que se muevan!». En Monkey Business, el movimiento del último acto hace que la película rejuvenezca y que emane la vitalidad tan ansiada que tanto buscaban sus personajes.

El 24 de septiembre del año que corre se conmemoran 100 años del estreno de una de las grandes películas del genio de Buster Keaton: Three Ages (Las Tres Edades). Se trata de su primer largometraje y la primera película que Buster dirigió, protagonizó y produjo de forma independiente.

A la manera de un ensayo, la película comienza con un breve texto acerca de la esencia inalterable del amor a lo largo del tiempo. Para probar esta idea, se nos presentan tres historias -que no son sino la misma- en tres períodos históricos diferentes: la Edad de Piedra, la Antigua Roma y la Era Moderna.

Las tres historias se exponen de forma alternada en grupos cuyas escenas están estructuradas de la misma forma, con las peculiaridades correspondientes a cada edad representada. La trama funciona como una especie de parodia de la película Intolerance (1916) de D. W. Griffith, que sigue una fórmula parecida.

Como buena parodia, los personajes no son más que caricaturas. Buster Keaton es el chico, Margaret Leahy es la chica y Wallace Beery, el villano o, lo que es lo mismo, el otro pretendiente de la chica. En las distintas historias, la destreza física, el rango social o la posición económica pueden adoptar diferentes valoraciones, pero los vínculos, los objetivos y los enfrentamientos permanecen. La trampa, el intento de provocar celos y hasta los suegros aparecen como constantes universales en la dinámica amorosa.

Como es habitual en sus películas, Buster es el anti héroe que se propone conseguir a la chica a pesar de contar con todas las posibilidades en su contra, en este caso, en las tres sociedades que se representan en la historia. Si lo que necesita es fuerza, poder o dinero, Buster será débil, de bajo rango y pobre. Sin embargo, a fin de cuentas, su debilidad es pura ilusión argumental porque la motivación por sobrepasar los obstáculos lo llevan a demostrar toda su potencia en el formato de lo que mejor sabe hacer: el gag de humor físico.

Como nos cuenta Fernando Martín Peña en su introducción a la película en el programa Filmoteca, temas de cine, le debemos la posibilidad que hoy tenemos de disfrutar de Three Ages -entre muchos otros de sus films- a James Mason, quien descubrió copias de la mayor parte de su obra en un cuarto escondido de la casa en la que Buster había vivido en los años 1920s. Les dejamos la introducción de Filmoteca a continuación, al igual que un link para mirar la película.

Todos los elementos que hacen de Buster un genio del cine y el humor se combinan en este film inolvidable. Su magistral capacidad para el humor físico, la burla social, la precisión de los gags y la excelencia narrativa son sólo algunos de ellos.

En esta página nos declaramos fans acérrimos del extraordinario Bobby Darin, uno de los grandes crooners de los años 1950s y 1960s y un entertainer nato. El siguiente video pertenece al programa de Ed Sullivan del 6 de septiembre de 1959. En él, Bobby interpreta un medley de los clásicos Swing Low, Sweet Chariot, Lonesome Road y When The Saints Go Marching In.

En 1948, el maestro del suspenso llevó a la pantalla grande un experimento técnico muy pocas veces visto hasta el momento en el cine de este lado del charco. Además de ser su primera película en utilizar el Technicolor, Rope presenta una historia en tiempo real que genera la ilusión de estar filmada en continuado, con unos pocos cortes.

Esto se logró a través de la unión en la edición de largas tomas de alrededor de diez minutos cada una, que fueron filmadas sin interrupciones, casi como si el set fuera un escenario de teatro. También de forma similar al teatro, con la excepción de la escena inicial, toda la trama sucede dentro de un solo set, lo que hizo necesario realizar estratégicos movimientos de cámara para evitar los cortes.

Con este falso gran plano secuencia, Hitch da cuenta, una vez más, no sólo de su maestría en el manejo de la cámara y el montaje, sino de lo mágica que puede ser la ilusión del cine cuando se pone al espectador -en este caso, la cámara- en el centro de la escena.

Reseña de Leandro A. Cuellar

@leandroacuellar

Rope (1948) es un filme de Alfred Hitchcock y se basa en una historia real ocurrida en los Estados Unidos que se conoce como “El crimen del siglo”, cometido por los estudiantes Leopold y Loeb. Hitchcock adaptó una obra teatral de Patrick Hamilton de 1929, que presenta similitudes con el llamado crimen del siglo de gran repercusión en el país.

Dos estudiantes universitarios adeptos al filósofo Friedrich Nietzsche, Brandon (John Dall) y Phillip (Farley Granger), estrangulan, en la escena inicial, con una soga a otro estudiante, David, debido a su inferioridad moral. El crimen es justificado a partir de una lectura errada del filósofo alemán. 

Vale aclarar que Nietzsche en ninguno de sus textos avala el asesinato de manera directa, sólo pueden encontrarse frases tales como: “Los débiles y malogrados deben perecer; tal es el axioma capital de nuestro amor al hombre. Y hasta se le debe ayudar a perecer”. Más allá de esta frase inoportuna de El Anticristo (1888) no podemos pensar que el filósofo alemán sostuvo que es necesario asesinar a otra persona por ser “inferior”.

Brandon es quien tiene la idea del asesinato. Él llega a pronunciar palabras tales como: “Matar puede ser un arte. El poder de matar puede ser tan satisfactorio como el poder de crear”. Además del asesinato, Brandon prepara en su departamento una reunión con sus amigos y coloca al muerto en un cajón convertido en mesa donde los invitados se servirán la comida. 

Entre los invitados se encuentra su profesor Rupert (James Stewart), quien fue el que les brindó las enseñanzas sobre Nietzsche. Rupert en el filme tiene un papel crucial y nos lleva a preguntarnos en quién realmente recae la culpa de este terrible asesinato. 

Cabe destacar que Rope fue el primer filme en color del maestro del suspense y fue la primera colaboración del director con James Stewart, que a posteriori realizó tres películas más con Hitchcock.

Para concluir, el crítico de cine británico Geoff Andrew, expresó: «Lo que es interesante es la manera en la que la astuta amoralidad de Hitchcock nos obliga, a través del suspense, a ponernos del lado de los asesinos (…) Un entretenimiento perverso y provocativo».

Nuestra querida Judy fue invitada en The Andy Williams Show , programa de la NBC de 1965. Esta versión de su canción sello, Over the Rainbow, interpretada por primera vez por ella en Wizard of Oz (1939) es coronada con un momento a dos voces junto a Andy. Luego, ambos cantan el clásico de Al Jolson Rock-a-Bye Your Baby with a Dixie Melody. Pura magia.

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