Octubre 2023

Actores


Retrato publicitario original de Rita Hayworth de la película Down to Earth, 1947

Rita Hayworth

El 17 de octubre de 1918, en Brooklyn, New York City, nacía Margarita Carmen Cansino, a quien el mundo conocería como Rita Hayworth, una de las estrellas absolutas del Hollywood dorado. Bailarina, actriz, ícono de los años 1940s y la femme fatale por excelencia, Rita desarrolló una extensa carrera en cine con más de 60 películas.

Margarita nació en una familia de artistas y tomó clases de danza desde muy chica. Su padre, Eduardo Cansino, continuando con la tradición de su abuelo, era bailarín de danzas españolas. Por su parte, su madre, Volga Hayworth, fue una bailarina de vaudeville que trabajó en Ziegfeld Follies en 1916, donde conoció a Eduardo. A la edad de 12 años, Margarita comenzó a realizar presentaciones como bailarina junto a su padre y, a mitad de los años 1930s, empezó a aparecer en películas bajo el nombre de Rita Cansino.

Bajo su primer contrato con la Fox, sus primeros roles eran secundarios y habitualmente ligados al personaje de la bailarina exótica. En 1936, grabó varios films con distintos estudios y, al año siguiente, firmó contrato con Columbia y empezó a aparecer en los créditos con el apellido de su madre, Hayworth. Ese mismo año, cambió el pelo moreno por el pelirrojo, que se convertiría en un sello distintivo de su imagen.

Su primer papel importante llegó en 1939 de la mano de Howard Hawks en la película Only Angels Have Wings, protagonizada por Cary Grant y Jean Arthur. La década siguiente la recibió con sus primeros protagónicos en películas como The Lady in Question (1940) -la primera de cinco colaboraciones con Glenn Ford-, The Strawberry Blonde (1941) -en la que trabajó junto a James Cagney y Olivia de Havilland– y Blood and Sand (1941), del director Rouben Mamoulian.

La vuelta de Rita a Columbia en 1941 trajo consigo dos éxitos de taquilla impresionantes: You’ll Never Get Rich (1941) y You Were Never Lovelier (1942), las dos muestras de su magnética dupla con la estrella del cine musical, Fred Astaire. Pero sería el musical en Technicolor de Charles Vidor Cover Girl (1944), su primera y única colaboración con Gene Kelly, el que la posicionaría entre las principales estrellas del estudio.

También con Vidor del otro lado de la cámara, en 1946, Rita protagonizó Gilda, una de sus películas más recordadas por su rol de femme fatale, y uno de los grandes clásicos del film noir. En ella, se destaca su interpretación de la canción Put the Blame on Mame con su icónico vestido strapless negro del diseñador Jean Louis.

En 1947, por la motivación del director Orson Welles, la imagen de Rita fue radicalmente modificada para el film The Lady from Shanghai (1947), en la que la actriz apareció rubia y con pelo corto. Si bien el cambio de look no cayó bien en el público y el film no tuvo éxito de taquilla, con el tiempo fue creciendo en el aprecio del público y es reconocido hoy un film noir destacado y diferente.

El punto más alto de fama lo alcanzó a finales de la década de los 1940s, con una imagen de bomba sensual completamente establecida entre el público. Tras una pausa en la actuación de algunos años, volvió a Columbia en 1952 con Affair in Trinidad, de Vincent Sherman. Para este film, Rita participó también como productora y el éxito superó en taquilla incluso a Gilda.

Otras películas importantes de los años 1950s incluyen Salome (1953) -junto a Charles Laughton-, Pal Joey (1957) -su último musical- y Separate Tables (1958) -con Burt Lancaster-. Rita continuó trabajando en cine durante los años 1960s hasta 1972.

El talento y la belleza de esta reina del Hollywood dorado fueron una constante a lo largo de toda su carrera. Para seguir homenajéandola, dejamos dos videos de baile en los que podemos ver cómo su estilo distintivo se funde perfectamente con dos estilos tan diversos como los de Fred y Gene.

Blog


Rita Hayworth: estrella y diosa danzarina – 4 películas imperdibles

En este artículo, Mery Linares nos presenta cuatro películas de la actriz y bailarina Rita Hayworth que tienen como hilo conductor uno de los aspectos más relevantes en su carrera, la danza.

Baile


The Nicholas Brothers – Lucky Number

En el mundo del tap, los Nicholas Brothers son sinónimo de excelencia. Lo cierto es que, además de increíblemente talentosos, fueron artistas súper completos y así lo demuestran en cada una de sus presentaciones. La siguiente secuencia perteneciente a un corto de 1936 llamada «Lucky Number» no es la excepción.

Cine – Comedia Romántica


Breakfast at Tiffany’s (1961) – Blake Edwards

Reseña de Mery Linares

@meryandthemovies

Desayuno en Tiffany’s: Resplandecer entre diamantes 

En 1961, Blake Edwards, uno de los cineastas más divertidos de Hollywood, fue el encargado de arrojar un poco de brillo, luz y alegría a la adaptación de la novela de Truman Capote Desayuno en Tiffany’s. Así fue que creó una de las cintas más icónicas del mundo de Hollywood. 

Bajo los nuevos paradigmas de representaciones en el cine, podría decirse que algunos aspectos de la película no resisten el paso del tiempo, como por ejemplo la personificación de Mickey Rooney como el vecino japonés Mr. Yunioshi.

Pero otros diamantes permanecen incólumes ante el transcurrir de los años, como la mágica interpretación de Audrey Hepburn como Holly Golightly -un alma libre y encantadora a la vez-, la química con George Peppard -quien encarna a un escritor en busca de su estabilidad-, el vestido negro emblemático de Givenchy, con guantes largos y el cuello adornado con perlas -en el que se cristaliza todo el esplendor de la historia-, la música de Henry Mancini que incluye la magnífica canción Moon River y un Nueva York lujoso y sofisticado en el que los protagonistas pasean, se divierten y resultan en una encantadora historia de amor. 

Este relato se centra en Holly Golightly, quien deja atrás a Texas para ir a la tierra de los sueños de Nueva York y aventurarse en busca de algo más y, sobre todo, de un marido adinerado. Un día conoce a su nuevo vecino, Paul Varjak, un escritor que quiere escribir su propia novela. Ambos descubrirán en las calles de Nueva York la senda de las ilusiones.

Si bien el guión de George Axelrod y la dirección de Blake Edwards evaden el ánimo turbio de la novela de Truman Capote por decisión de la Paramount Pictures, ambos se encargaron de capturar la claridad de esta historia de amor, identidad y libertad. Holly es una mujer libre que se escapa de un pasado para buscar su felicidad. Ese sentido de anhelo es el verdadero diamante donde resplandece una representación en la pantalla grande de la voluntad y complejidad femenina. 

Así como la protagonista Holly Golightly va a Tiffany’s para ahuyentar la tristeza en el reflejo de esos diamantes, uno ve esta película bajo el mismo estandarte: una historia en la que, entre los rascacielos de Manhattan, los rayos de luz aparecen para reconfortar y deslumbrarnos entre tanto brillo de sueños.

Músicos


Anita O’Day

Este mes queremos celebrar a una vocalista de jazz que marcó un sello singular en el mundo del swing. El 18 de octubre de 1919, en Kansas City, nacía Anita Belle Colton, más tarde conocida como Anita O’Day. Dio sus primeros pasos en su juventud como bailarina y pronto se orientó hacia el canto, interpretando en clubes nocturnos.

En 1941, Anita se sumó como vocalista a la banda de Gene Krupa y obtuvo su primer éxito con la canción Let Me Off Uptown. Su tiempo con la banda le otorgó la exposición necesaria para convertirse en una de las principales cantantes de la escena del swing.

A fines de la década de 1940, decidió trabajar como solista y grabó su primer álbum, The Lady Is a Tramp, en 1952. Al primero le siguieron más de 15 álbumes durante la década de 1950 y principios de los años 1960s, principalmente bajo el sello Verve Records.

Además de Gene Krupa, Anita colaboró con numerosos artistas del género durante su carrera, incluidos Count Basie, Benny Goodman, Louis Armstrong y Oscar Peterson. Algunas de sus canciones más populares incluyen Sweet Georgia Brown, Honeysuckle Rose y Tea For Two.

El estilo vocal que distinguió a Anita de sus contemporáneos se caracteriza por una impecable habilidad para el fraseo y la improvisación, un uso magistral del scat y por la presencia del humor y el juego con la orquesta. Cada canción, incluidos los más clásicos standards, se convierte en auténtica e indiscutiblemente suya a través de sus interpretaciones.

La fortaleza de su voz y su presencia en el escenario se pueden apreciar en el registro de su presentación en el festival de Newport de 1958 que les compartimos a continuación, al igual que otras filmaciones posteriores.

Animación


100 años de Disney – Dumbo (1941)

El póster pertenece a su correspondiente autor o propietario.

Tomando como excusa los 100 años de Disney que se celebran este mes, queremos introducir una nueva sección a nuestras ediciones que contemple el sector de la animación dentro de la industria del cine de los años dorados de Hollywood. Y qué mejor que dar inicio a esta sección con una de las joyas esenciales del estudio del ratón, la inolvidable Dumbo.

Estrenada el 31 de octubre de 1941 en Estados Unidos, la película ha cautivado a generaciones de espectadores desde su estreno gracias a sus entrañables personajes, su música inolvidable y su magia narrativa.

Dumbo cuenta la historia de un elefante que es objeto de burla debido a sus grandes orejas, pero que finalmente descubre que lo que lo hace diferente es lo que también puede hacerlo especial. Si bien la animación es más sencilla que la de los largometrajes anteriores, el film introduce temáticas, escenas y personajes innovadores. Un claro ejemplo es la famosa secuencia de Pink Elephants On Parade, que podemos catalogar directamente como surrealista y fascinante desde el punto de la narrativa visual.

Dumbo también cuenta con una banda sonora que perdura en la memoria de los espectadores. Esta incluye canciones como Baby Mine y When I See an Elephant Fly. La música, compuesta por Frank Churchill y Oliver Wallace, acompaña cada una de las etapas en el camino del héroe orejudo.

Para celebrar un siglo de uno de los estudios que más emociones ha producido en los públicos de distintas generaciones desde su surgimiento, es inevitable revisitar uno de sus más grandes clásicos, que nos recuerda qué es lo que hizo tan grande durante su época dorada. La magia particular que trae Disney, tanto en sus historias, como en sus animaciones, se puede presenciar desde el primer hasta el último cuadro de la película de nuestro elefante favorito.

Radio


Concert by the Sea – Erroll Garner

Publicado el 13 de octubre de 1955, Concert by the Sea captura un espectáculo a puro swing que se desarrolló en la Sunset School en Carmel, California, con el trío de Erroll Garner como protagonista.

Al habilidoso pianista se le suman Eddie Calhoun en el contrabjo y Denzil Best en la batería. Juntos, navegaron a través de standards como Autumn Leaves, It’s All Right with Me y They Can’t Take That Away From Me, interpretados con su estilo característico.

El álbum significó un hito importante en la carrera de Erroll, ya que fue uno de los más vendidos de su época y muy bien recibido por la crítica, y sigue siendo un álbum esencial para cualquiera que explore el género.

Concert by the Sea sintetiza la esencia del estilo único de Erroll Garner, caracterizado por la improvisación, el juego rítimico y la técnica virtuosa. El ambiente, la energía y la respuesta entusiasta del público de la grabación en vivo transportan a los oyentes a ese inolvidable concierto en Carmel, California.

Especial de Terror


Béla Lugosi – Dracula (1931)

No queríamos dejar pasar este mes de octubre en el que, además de celebrarse Halloween y el cine de terror, conmemoramos 141 años del nacimiento de Béla, sin hacerle un homenaje a nuestro Drácula favorito.

En este fragmento del clásico de Tod Browning de 1931, que dio inicio a los monstruos clásicos de Universal, el Conde emite una de sus frases míticas: «Listen to them, children of the night. What music they make». Un espeluznante y, a la vez, inmejorable primer encuentro con un personaje inolvidable.

Cine – Noir


The Big Heat (1953) – Fritz Lang

Reseña de Leandro A. Cuellar

@leandroacuellar

The Big Heat (1953) es un film noir del emblemático Fritz Lang que cuenta con las destacadas actuaciones de Glenn Ford y Gloria Grahame. En 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

El filme comienza con Tom Duncan, quien se dispara un tiro en la cabeza y deja una confesión en su escritorio. Las señales nos dicen que es policía. Extrañamente serena, su esposa baja las escaleras, hojea las páginas que ha escrito y se dirige al teléfono, pero no para llamar a la policía, sino para hablar con un tercero. Rápidamente olvidamos lo que hizo la Sra. Duncan. Sin embargo, sabemos que ha utilizado un jugoso chantaje para recibir grandes pagos de alguien y no es la única traidora.

Bannion (Glenn Ford) es policía de día y hombre de familia de noche, con una amorosa esposa y una hermosa hija. El personaje de Bannion es incorruptible y representa lo moralmente bueno. Aborda el caso de la muerte del oficial Duncan, pero la cosa se complica cuando Lucy Chapman (Dorothy Green) lo llama para decirle que conocía al fallecido y que él nunca se suicidaría. 

La escritora María Negroni, escribe: “Fritz Lang pareciera haber dirigido Los sobornados [o, The Big Heat] no tanto -o no sólo- para mostrar un combate desigual entre la honestidad de un sargento y la indecencia organizada, sino para sugerir que esa lucha en la que el sargento arraiga y pierde todo vale esencialmente la pena”.

Estamos sin duda ante una obra maestra del film noir. Incluso hay una escena muy cruel -tal vez, de las más crueles de la historia del cine- en la que el psicópata Vince (Lee Marvin) le tira café hirviendo al personaje de Gloria Grahame. La cinta está conformada por 89 minutos de un fascinante cine negro.

TV


Ethel Merman – Everything’s Coming Up Roses

You got nothing to hit but the heights. Pocas fuerzas de la naturaleza son más arrolladoras que la voz de esta mujer. La inigualable Ethel Merman nos deleita con el clásico Everything’s Coming Up Roses del musical Gipsy, cuya primera producción en Broadway la tuvo a Ethel como protagonista. Desde ese entonces, el tema se convirtió en uno de los más característicos de su repertorio.

Cine


The Maltese Falcon (1941) – Tráiler y reseña

Una intrincada historia de crimen, mentiras y traiciones se combina con un reparto estelar en este clásico del cine de Hollywood, uno de los primeros eslabones en la historia del film noir. A continuación, pueden leer nuestra reseña del film y disfrutar de Sydney Greenstreet relatando la historia de la misteriosa joya en el tráiler de The Maltese Falcon.

Tráiler

Reseña

Imagen de The Maltese Falcon

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