Octubre 2023

Reseña de Mery Linares

@meryandthemovies

Desayuno en Tiffany’s: Resplandecer entre diamantes 

En 1961, Blake Edwards, uno de los cineastas más divertidos de Hollywood, fue el encargado de arrojar un poco de brillo, luz y alegría a la adaptación de la novela de Truman Capote Desayuno en Tiffany’s. Así fue que creó una de las cintas más icónicas del mundo de Hollywood. 

Bajo los nuevos paradigmas de representaciones en el cine, podría decirse que algunos aspectos de la película no resisten el paso del tiempo, como por ejemplo la personificación de Mickey Rooney como el vecino japonés Mr. Yunioshi.

Pero otros diamantes permanecen incólumes ante el transcurrir de los años, como la mágica interpretación de Audrey Hepburn como Holly Golightly -un alma libre y encantadora a la vez-, la química con George Peppard -quien encarna a un escritor en busca de su estabilidad-, el vestido negro emblemático de Givenchy, con guantes largos y el cuello adornado con perlas -en el que se cristaliza todo el esplendor de la historia-, la música de Henry Mancini que incluye la magnífica canción Moon River y un Nueva York lujoso y sofisticado en el que los protagonistas pasean, se divierten y resultan en una encantadora historia de amor. 

Este relato se centra en Holly Golightly, quien deja atrás a Texas para ir a la tierra de los sueños de Nueva York y aventurarse en busca de algo más y, sobre todo, de un marido adinerado. Un día conoce a su nuevo vecino, Paul Varjak, un escritor que quiere escribir su propia novela. Ambos descubrirán en las calles de Nueva York la senda de las ilusiones.

Si bien el guión de George Axelrod y la dirección de Blake Edwards evaden el ánimo turbio de la novela de Truman Capote por decisión de la Paramount Pictures, ambos se encargaron de capturar la claridad de esta historia de amor, identidad y libertad. Holly es una mujer libre que se escapa de un pasado para buscar su felicidad. Ese sentido de anhelo es el verdadero diamante donde resplandece una representación en la pantalla grande de la voluntad y complejidad femenina. 

Así como la protagonista Holly Golightly va a Tiffany’s para ahuyentar la tristeza en el reflejo de esos diamantes, uno ve esta película bajo el mismo estandarte: una historia en la que, entre los rascacielos de Manhattan, los rayos de luz aparecen para reconfortar y deslumbrarnos entre tanto brillo de sueños.

Tomando como excusa los 100 años de Disney que se celebran este mes, queremos introducir una nueva sección a nuestras ediciones que contemple el sector de la animación dentro de la industria del cine de los años dorados de Hollywood. Y qué mejor que dar inicio a esta sección con una de las joyas esenciales del estudio del ratón, la inolvidable Dumbo.

Estrenada el 31 de octubre de 1941 en Estados Unidos, la película ha cautivado a generaciones de espectadores desde su estreno gracias a sus entrañables personajes, su música inolvidable y su magia narrativa.

Dumbo cuenta la historia de un elefante que es objeto de burla debido a sus grandes orejas, pero que finalmente descubre que lo que lo hace diferente es lo que también puede hacerlo especial. Si bien la animación es más sencilla que la de los largometrajes anteriores, el film introduce temáticas, escenas y personajes innovadores. Un claro ejemplo es la famosa secuencia de Pink Elephants On Parade, que podemos catalogar directamente como surrealista y fascinante desde el punto de la narrativa visual.

Dumbo también cuenta con una banda sonora que perdura en la memoria de los espectadores. Esta incluye canciones como Baby Mine y When I See an Elephant Fly. La música, compuesta por Frank Churchill y Oliver Wallace, acompaña cada una de las etapas en el camino del héroe orejudo.

Para celebrar un siglo de uno de los estudios que más emociones ha producido en los públicos de distintas generaciones desde su surgimiento, es inevitable revisitar uno de sus más grandes clásicos, que nos recuerda qué es lo que hizo tan grande durante su época dorada. La magia particular que trae Disney, tanto en sus historias, como en sus animaciones, se puede presenciar desde el primer hasta el último cuadro de la película de nuestro elefante favorito.

No queríamos dejar pasar este mes de octubre en el que, además de celebrarse Halloween y el cine de terror, conmemoramos 141 años del nacimiento de Béla, sin hacerle un homenaje a nuestro Drácula favorito.

En este fragmento del clásico de Tod Browning de 1931, que dio inicio a los monstruos clásicos de Universal, el Conde emite una de sus frases míticas: «Listen to them, children of the night. What music they make». Un espeluznante y, a la vez, inmejorable primer encuentro con un personaje inolvidable.

Reseña de Leandro A. Cuellar

@leandroacuellar

The Big Heat (1953) es un film noir del emblemático Fritz Lang que cuenta con las destacadas actuaciones de Glenn Ford y Gloria Grahame. En 2011, la película fue considerada «cultural, histórica y estéticamente significativa» por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos y seleccionada para su preservación en el National Film Registry.

El filme comienza con Tom Duncan, quien se dispara un tiro en la cabeza y deja una confesión en su escritorio. Las señales nos dicen que es policía. Extrañamente serena, su esposa baja las escaleras, hojea las páginas que ha escrito y se dirige al teléfono, pero no para llamar a la policía, sino para hablar con un tercero. Rápidamente olvidamos lo que hizo la Sra. Duncan. Sin embargo, sabemos que ha utilizado un jugoso chantaje para recibir grandes pagos de alguien y no es la única traidora.

Bannion (Glenn Ford) es policía de día y hombre de familia de noche, con una amorosa esposa y una hermosa hija. El personaje de Bannion es incorruptible y representa lo moralmente bueno. Aborda el caso de la muerte del oficial Duncan, pero la cosa se complica cuando Lucy Chapman (Dorothy Green) lo llama para decirle que conocía al fallecido y que él nunca se suicidaría. 

La escritora María Negroni, escribe: “Fritz Lang pareciera haber dirigido Los sobornados [o, The Big Heat] no tanto -o no sólo- para mostrar un combate desigual entre la honestidad de un sargento y la indecencia organizada, sino para sugerir que esa lucha en la que el sargento arraiga y pierde todo vale esencialmente la pena”.

Estamos sin duda ante una obra maestra del film noir. Incluso hay una escena muy cruel -tal vez, de las más crueles de la historia del cine- en la que el psicópata Vince (Lee Marvin) le tira café hirviendo al personaje de Gloria Grahame. La cinta está conformada por 89 minutos de un fascinante cine negro.

You got nothing to hit but the heights. Pocas fuerzas de la naturaleza son más arrolladoras que la voz de esta mujer. La inigualable Ethel Merman nos deleita con el clásico Everything’s Coming Up Roses del musical Gipsy, cuya primera producción en Broadway la tuvo a Ethel como protagonista. Desde ese entonces, el tema se convirtió en uno de los más característicos de su repertorio.